La música tiene el poder de evocar emociones profundas, transportarnos a diferentes épocas y culturas, e incluso influir en nuestro estado de ánimo. A lo largo de la historia, muchos compositores han creado obras maestras que han perdurado en el tiempo, inspirando a generaciones de músicos y oyentes. En este artículo, exploraremos la historia detrás de la famosa canción de cuna de Bach, así como otras curiosidades musicales relacionadas con la inspiración, el plagio y la parodia en la música clásica.
Johann Sebastian Bach: Un Genio Atormentado
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un compositor alemán del período barroco, considerado uno de los más grandes de la historia de la música. Su obra abarca una amplia gama de géneros, desde música para órgano y clavecín hasta música vocal y orquestal. Sin embargo, su vida no siempre fue fácil. En una carta escrita en 1730, Bach se quejaba de "disgustos, envidias y persecuciones constantes" por parte de las autoridades de Leipzig, donde trabajaba como Cantor.
A pesar de las dificultades, Bach no dejó de crear música de una calidad excepcional. Como escribió a su antiguo compañero de estudios Georg Erdmann: “Tengo que vivir soportando disgustos, envidias y persecuciones constantes de unas autoridades muy poco devotas de la música”.
A los concejales de Leipzig no les importaba la calidad de la música sino su abundancia y les indignaba que Bach se permitiera poner un suplente en algunas clases de latín o de canto cuando necesitaba tiempo para componer y ensayar.
Para colmo, la Pasión según san Mateo que había escrito dos años antes les había parecido a los concejales contraria a la letra del contrato, que prohibía expresamente a Bach componer músicas de estilo dramático o teatral con destino a las parroquias.
Bach no podía componer para su propio disfrute y nunca lo hizo; su música era un trabajo, un empleo, y consistía en dar realce a ceremonias, fiestas locales y fastos municipales a mayor gloria del elector de Sajonia y rey de Polonia cuando se acercaba a Leipzig desde la corte de Dresde.
El Oratorio de Navidad: Un Ejemplo de Parodia Musical
El Oratorio de Navidad BWV 248 es una de las obras más conocidas de Bach. Compuesta en 1734, esta obra está dividida en seis partes, cada una de las cuales se interpreta en un día diferente durante el período navideño. Lo interesante de este oratorio es que gran parte de la música fue tomada de cantatas anteriores compuestas por Bach para otras ocasiones. Esta técnica, conocida como parodia, era común en la época de Bach y consistía en adaptar música preexistente a un nuevo contexto.
En realidad el Oratorio de Navidad es una larga y profunda oración ambientada en el nacimiento de Cristo pero asentada sobre tres estratos literarios muy diferentes: el Evangelio, los corales luteranos y los versos libres del libretista.
La principal de esas limitaciones es la barrera que separa lo profano de lo sagrado: una música elaborada sobre textos y motivos profanos puede ser puesta luego al servicio de la liturgia pero jamás al contrario, lo que había sido de Dios no podía ser ofrecido luego al Cesar.
Buen ejemplo es el aria de la cantata Wahl des Hercules (La elección de Hércules), una canción de cuna para el héroe mitológico que en el Oratorio de Navidad muta hasta quedar convertida en la nana del coro para el Niño Jesús.
El Oratorio nació para elevar el espíritu de los fieles durante todo el ciclo de la Navidad dividido en seis partes o cantatas: el Nacimiento (parte I), el Anuncio a los Pastores (II), la Adoración de los Pastores (III), la Circuncisión (IV), la Venida de los Magos (V), y la Adoración de los Reyes (VI).
Las seis cantatas recorren la historia de la Navidad siguiendo al evangelista Lucas pero no se limitan a la pura narración.
A Bach no le interesaba gran cosa la tradición musical de aire navideño, popular o no, y prefirió repetir el esquema de sus grandes Pasiones.
Los nueve corales a cuatro voces del Oratorio de Navidad son ante todo corales de Bach, joyas de un estilo que arranca en los cantos estróficos luteranos de los siglos XVI y XVII y que él llevaba veinte años perfeccionando.
Bach compuso las seis partes del Oratorio de forma que se pudieran escuchar por separado aunque ahora, oyéndolas seguidas, nos parezcan una sola obra.
Bach culminaba con aire de felicidad navideña una obra que sin embargo hundía sus raíces en obras escritas en tiempos más convulsos y lo conseguía gracias a un espectacular despliegue de técnica, recursos, creatividad y líneas de futuro dignos de sus mejores obras.
La grandeza del Oratorio de Navidad traspasa las anécdotas y el gusto de su tiempo y va mucho más allá que la literalidad a la que sirve.
Sigue siendo, como coincidieron en subrayar todos los grandes músicos a partir de Mendelssohn, una de las cimas de la música coral de todos los tiempos.
Bach Weihnachtsoratorium BWV 248 Christmas Oratorio Nikolaus Harnoncourt HD
La Canción de Cuna de Brahms: Un Regalo de Amistad
Johannes Brahms (1833-1897) fue otro gran compositor del período romántico. Aunque nunca se casó, Brahms tuvo varias relaciones amorosas a lo largo de su vida. Una de ellas fue con una alumna de piano llamada Berta Porubzki, a quien dedicó su famoso Vals en La mayor. Aunque el romance no prosperó, Berta se casó con Werner von Hertogenberg, un crítico musical, y ambos siguieron siendo buenos amigos de Brahms.
Cuando la pareja tuvo una niña, Brahms le compuso su célebre y mundialmente conocida Canción de Cuna, basada justamente en el tema del vals que le escribiera a su madre.
Un maravilloso verano, Brahms compuso los dos primeros movimientos en un palacete que los Hertogenberg le proporcionaron en el Karavanken, al sur de Austria cerca de Italia y Eslovenia.
Ciertamente, la letra y la música son dulces y cariñosas, arropan al pequeño con lo mejor del Cielo y la Tierra.
Esta canción de cuna, Op. 49 No. 4, se ha convertido en un clásico y es interpretada en todo el mundo. La melodía es simple y reconfortante, y la letra habla del amor y la protección que los padres brindan a sus hijos.
Bach Weihnachtsoratorium BWV 248 Christmas Oratorio Nikolaus Harnoncourt HD
Inspiración y Originalidad en la Música
A lo largo de la historia de la música, muchos compositores se han inspirado en obras preexistentes. En algunos casos, esta inspiración ha llegado a rozar el plagio, mientras que en otros ha dado lugar a nuevas y originales creaciones. Como hemos visto con el Oratorio de Navidad de Bach, la parodia musical era una técnica común en el período barroco. Sin embargo, la inspiración y la originalidad no siempre son fáciles de distinguir.
En el periodo barroco la música de Johann Sebastian Bach está influenciada de manera clara y evidente por las creaciones compositivas de Antonio Vivaldi.
La gran admiración de Johann Sebastian Bach por Antonio Vivaldi le llevó a transcribir gran parte de los doce conciertos “L`éstro armónico Op. 3” de Antonio Vivaldi, para así crear parte de su proyección organística.
Durante el clasicismo musical, los grandes compositores de la época, como Ludwig Van Beethoven, Franz Joseph Haydn o Wolfgang Amadeus Mozart, entre otros, también sucumbieron al uso de material musical preexistente perteneciente a la producción creativa de autores de épocas anteriores.
Es notable la evocación y el recuerdo de la obra “Stal se jesem” (de autoría desconocida) en el segundo movimiento (Poco Adagio cantábile) del “Cuarteto para cuerda en Do mayor”, Op.
En el periodo romántico y postromántico musical las semejanzas o la toma y préstamo de ideas musicales preexistentes que encontramos son mayores y mucho más evidentes.
Esta forma musical (la variación) caracterizada por la modificación rítmico-melódica de un tema o melodía principal que se presenta al comienzo de la obra y que es tomada como base, será el gran caballo de batalla en cuanto a la discusión de la autoría.
En sus orígenes, esta forma musical a través de la cual se demostraba la maestría y el virtuosismo compositivo desde el punto de vista original y creativo no trascendía más lejos del propio trabajo del compositor.
Todo ello cambió cuando los compositores de la época comenzaron a utilizar melodías preexistentes (pertenecientes a otros autores), con el objeto de desarrollarlas temáticamente a través de la forma musical de la variación y así crear obras relativamente nuevas.
En estos casos la dificultad radica en la calificación y adjudicación de la autoría ya que la obra resultante pertenece a un compositor, pero el tema o melodía principal que se presenta en el comienzo de la obra (para ser desarrollada temáticamente posteriormente) pertenece a otro compositor.
Como podemos comprobar, la sombra del plagio e inspiración musical basada en creaciones preexistentes de compositores anteriores no es algo nuevo que nació a comienzos del siglo XX.
En esta esfera hemos de destacar la figura de Gioacchino Rossini. A modo de ejemplo, el comienzo de “El barbero de Sevilla” y la obertura de “Isabel, reina de Inglaterra” son exactamente iguales.
También ocurre lo mismo entre “El barbero de Sevilla” (parte intermedia de la obra) y “Aureliano in Palmira” (comienzo de la obra).
Xavier Montsalvatge: Un Compositor Catalán con Influencias Antillanas
Xavier Montsalvatge (1912-2002) fue un compositor español nacido en Girona. Su obra se caracteriza por una mezcla de influencias, que van desde el impresionismo francés hasta los ritmos antillanos. Una de sus obras más conocidas es las "Cinco Canciones Negras", compuesta en 1945 para soprano y piano. Esta obra, inspirada en poemas de autores como Ildefonso Pereda Valdés y Nicolás Guillén, refleja la fascinación de Montsalvatge por la cultura afrocaribeña.
El punto de partida del ciclo fue el poema del uruguayo Ildefonso Pereda Valdés, Canción de cuna para dormir a un negrito, cuya ternura ganó el corazón de los oyentes que asistieron al estreno de esta canción en la voz de Plantada.
Después compuso Chévere y Canto negro, sobre textos del poeta afrocubano Nicolás Guillén, seguidos del Punto de Habanera, con texto del escritor y periodista catalán Nèstor Luján, y Cuba dentro de un piano, con texto del poeta andaluz Rafael Alberti.
Su primera ópera, El gato con botas, con libreto de Néstor Luján, estrenada en el Liceu barcelonés en 1948, es una joya lírica, llena de encanto melódico y vitalidad rítmica.
En el Liceu estrenó en 1962 su segunda ópera, Una voce in off, que evoca la tradición lírica italiana en su vena melódica, con aromas veristas y ecos de Puccini.
El papel de Angela es el eje del curioso triángulo amoroso del libreto -escrito en italiano por el propio Montsalvatge a partir de un relato de Joan Puigdeval-, que muestra cómo se trunca la relación de la protagonista con su amante, Mario, al escuchar la declaración de amor póstuma que su marido, Claudio (la voce in off), le deja en una cinta grabada.
En su dilatada carrera periodística -fue director de la revista Destino y crítico musical de referencia en La Vanguardia-, Montsalvatge se sentía como en casa en sus butacas del Palau y el Liceu, pero el coliseo de la Rambla tardó 37 años en saldar su deuda con Babel 46, su tercera y última ópera, compuesta en los años sesenta para un concurso convocado por el teatro que no ganó nadie.
No es una obra tan redonda como El gato con botas o Una voce in off, pero tenía un valor operístico poco común en la fecha de su composición, pues se alejaba de la dictadura de las vanguardias con un despliegue melódico que estaba casi prohibido.
El libreto narra la historia de 10 personas de diferentes nacionalidades en sus últimos días, en 1946, en un campo de refugiados en Europa central después de la Segunda Guerra Mundial.
A la babel lingüística -los personajes cantan y hablan en siete lenguas- le corresponde un eclecticismo musical hábil, un cóctel de estilos resuelto con una música que bebe de Puccini, del postverismo, de los franceses, de Britten, de Rota, del cine.
Una de las obras de influencia francesa son los "Tres Divertimentos sobre temas de autores olvidados" compuesta en 1941.
En el año 1948 se estrena en el Teatro del Liceo su primera ópera "El gato con botas" escrita en 1946. Basada en el famoso cuento de Charles Perrault, lo trata como una fantasía sobre un libreto de Nestor Luján.
La “Sinfonía Mediterránea" fue compuesta en 1948, después de la primera representación de su ópera, ganando el Premio Extraordinario de Composición del Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona.
En 1951 escribe el "Poema concertante" para violín y orquesta" dedicado al violinista Henryk Szeryng.
Una de sus obras fundamentales también fue compuesta en el mismo año. El "Concerto Breve" compuesto en 1953 está dedicado a la pianista Alicia de Larrocha, quién la estrenaría en Barcelona en dicho año con gran éxito.
"Barcelona Blues" para piano escrita en 1956 es su primer acercamiento a la música de jazz. En 1961 compone la "Sonatine pour Yvette" para el pianista Gonzalo Soriano.
Con la "Desintegración morfológica de la Chacona de Bach" compuesta en 1962 empieza una etapa en la que emplea métodos atonales en su composición.
Para el Festival Internacional de Música y Danza de Granada compone en 1970 "Laberinto" para orquesta. Una obra en la que emplea los procedimientos seriales.
También utiliza elementos atonales en la "Serenata a Lydia de Cadaqués" inicialmente para flauta y piano.
El "Concierto de Albayzin" terminado en 1977 para clave y orquesta escrito para el Festival Internacional de Música de Granada, no posee ninguna referencia andaluza.
En el año 1980 compone la "Metamorfosis de concierto" para guitarra y orquesta, un encargo del guitarrista Narciso Yepes. Con esta obra ganó el Premi Ciutat de Barcelona del año 1982.
La “Sinfonía de Requiem" fue compuesta en 1985 para un encargo del Ministerio de Cultura con motivo del Año Europeo de la Música.
En "Tres postals il-luminades" compuesta para orquesta en 1990 vuelva a utilizar el ritmo de habanera y de jazz.
El "Madrigal sobre un tema popular" compuesto en 1991 está basado en la conocida canción catalana "El cant dels ocells", inmortalizada por Pau Casals. En esta versión emplea un conjunto de cuerda con violoncello solista y una soprano.
"Folia Daliniana" compuesta en 1996 está inspirada en la obra del pintor Salvador Dalí, estrechamente ligado a la villa de Cadaqués.
La “Sinfonietta - concerto" fue compuesta en 2001 por encargo del Festival Internacional de Santander. Se estrenó en la clausura de dicho Festival, interpretada por la Orquesta de la Academia Santa Cecilia de Roma con Jaime Martín como flauta solista.
"Tres reflexos sobre una pastoral d'hivern" compuesta en 2002 para Gerard Claret y la Orquesta Nacional de Cambra d'Andorra, cierra la historia de su labor creativa con unas páginas de gran lirismo.
Montsalvatge muere en Barcelona el 7 de mayo de 2002.
Primero la influencia del impresionismo francés, luego su etapa antillanista, con sus ritmos de habanera debidos a la larga ligazón de Cuba con España. Pasando por el neoclasicismo hasta llegar a la música de vanguardia.
Bach Weihnachtsoratorium BWV 248 Christmas Oratorio Nikolaus Harnoncourt HD
Conclusión
La música es un arte complejo y multifacético, que puede ser apreciado desde diferentes perspectivas. Ya sea que nos dejemos llevar por la belleza de una melodía, nos intrigue la historia detrás de una composición, o nos interese el proceso creativo de un compositor, la música siempre tiene algo que ofrecernos.
En definitiva, la música es un reflejo de la condición humana, con sus alegrías, sus tristezas, sus inspiraciones y sus contradicciones. Al explorar la historia de la música, podemos aprender más sobre nosotros mismos y sobre el mundo que nos rodea.
| Compositor | Obra | Influencia/Inspiración |
|---|---|---|
| Johann Sebastian Bach | Oratorio de Navidad BWV 248 | Cantatas anteriores del propio Bach |
| Johannes Brahms | Canción de Cuna, Op. 49 No. 4 | Vals en La mayor dedicado a Berta Porubzki |
| Xavier Montsalvatge | Cinco Canciones Negras | Poemas de autores como Ildefonso Pereda Valdés y Nicolás Guillén |