Inauguramos una nueva colección de artículos en los que queremos acercarte los lenguajes pictóricos más importantes de la historia. En la aproximación a cualquiera de ellos es fundamental conocer el contexto histórico en el que se desarrollan para entender mejor cómo nacen y cuál es su interés o finalidad. Nos parece interesante empezar esta serie con los movimientos que se generaron a principios del siglo XX. En esta ocasión, vamos a desgranar el Cubismo como una de las vanguardias europeas que sirvieron de inspiración para muchas otras que se desarrollarían posteriormente.
El cubismo es uno de los movimientos más influyentes del arte moderno. Surgido a principios del siglo XX, rompió con las reglas tradicionales de la perspectiva y la representación realista. A través de figuras geométricas, planos superpuestos y múltiples puntos de vista, el cubismo transformó la forma de representar la realidad.
Pero ¿qué es el cubismo realmente? En este artículo conocerás los orígenes, fases, características, artistas y obras del cubismo.
Contexto Histórico del Nacimiento del Cubismo
A principios del siglo XX, Europa vivía una época convulsa que fue desde la llamada Segunda Revolución Industrial, que supuso un enorme cambio tecnológico, económico y social, hasta la llegada de la 1ª Guerra Mundial en 1914. En estos años, se desarrolla la Teoría de la Relatividad de Einstein (1905), los estudios psicoanalíticos de Freud, el cine y la fotografía. Los artistas no son ajenos a todos estos cambios y el nacimiento de las vanguardias surge como una ruptura con el pasado, con una necesidad de evolucionar también en los lenguajes artísticos.
En este contexto nace el cubismo que estaría vigente de 1909 (1907 si tenemos en cuenta Las Señoritas de Avignon como primer referente) a 1914 en que se considera el final de esta etapa. Aun así, los artistas cubistas siguieron manteniendo las características típicas de ese lenguaje en sus obras después de esa fecha límite en la Historia del Arte para esta vanguardia.
El cubismo es una corriente artística que nació en París entre 1907 y 1914. Su objetivo principal fue representar la realidad desde una perspectiva completamente nueva. Este movimiento rompió con las normas clásicas de proporción, volumen y profundidad. Los objetos y figuras humanas comenzaron a descomponerse en formas geométricas: cubos, cilindros, conos y esferas.
El cubismo nace hacia 1907 como consecuencia de los avances en las ciencias especialmente la física con la publicación de la Teoría de la relatividad de Einstein, la geometrización de las pinturas de Cézanne y el gusto por lo primitivo y lo africano de Matisse.
Para entender hasta qué punto fue revolucionario el cubismo tenemos que rastrear su contexto.
Las transformaciones artísticas que aportó el fauvismo, siendo relevantes, no afectaron radicalmente a la idea tradicional de pintura: sus objetos eran contemplados desde un punto de vista único y determinado y, pese a lo arbitrario del cromatismo, se hacía patente la identidad entre la imagen pintada y la que ofrecería la cámara fotográfica al enfrentarse a ese mismo motivo.
El Cubismo es un lenguaje pictórico que replantea las formas, el volumen, el espacio y la perspectiva dotando a las obras de un carácter psicológico en que el espectador reconstruye la imagen en su mente para comprenderla en su totalidad. Los volúmenes, las luces y las sombras se descomponen en planos que crean diferentes puntos de vista. No se puede decir que se trata de un lenguaje abstracto ya que los objetos y figuras están claramente representados y son, en la mayoría de las ocasiones, reconocibles. El espectador se convierte en el cubismo en el organizador de la obra es, por lo tanto, un lenguaje con una fuerte carga intelectual y racional.
Seguramente, los descubrimientos psicoanalíticos de principios de siglo influyeron en la creación de este “arte mental”. Los colores utilizados en el cubismo tienen también ese componente psicológico ya que están llenos de azules, ocres, marrones, grises, verdes … pigmentos asociados al raciocinio según el psicoanálisis clásico. Los temas más utilizados en el cubismo son las naturalezas muertas, bodegones, la figura humana y el retrato.
Se dice que el término cubismo fue creado por el crítico de arte Louis Vauzcelles ya que las obras estaban formadas por cubos y figuras geométricas.
El crítico Louis Vauxcelles ya había bautizado a los fauves. En 1908 visitó una exposición de Braque y escandalizado escribe: «Son geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el cuerpo humano a ínsipidos cubos». Estas «bizarreries cubiques» pondrían nombre al movimiento. En realidad, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario.
El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende una figura como el cubo). Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.
El Fauvismo y el Cubismo nacieron en París durante el primer decenio del siglo XX. Antes de convertirse en auténticos hitos de la historia del arte, la crítica adoptó términos poco favorables para referirse a ellos con el fin de restar importancia a los nuevos desarrollos artísticos que se presentaban en los Salones parisinos. Los fauvistas hallaron una nueva forma de expresión pictórica en el empleo de colores vivos y no naturalistas, y de una pincelada espontánea, mientras que los cubistas se propusieron representar los objetos y figuras desde diferentes perspectivas simultáneamente.
Tras contemplar el trabajo de Henri Matisse y André Derain en el Salón de Otoño de París en 1905, el crítico de arte Louis Vauxcelles calificó a estos pintores como “fauves” (fieras), aludiendo a su atroz ruptura con las convenciones artísticas. El Fauvismo tomó del Impresionismo y el Puntillismo la disolución de las formas en color, y se caracterizó por el empleo de una paleta de colores muy vivos. En su búsqueda de nuevos procedimientos formales para expresar las emociones, estos artistas pusieron de relieve el potencial expresivo del color y dieron a los temas de sus obras un tratamiento radicalmente novedoso. Entre los autores incluidos en este movimiento se encuentran Derain, Robert Delaunay, Matisse, Maurice de Vlaminck y Louis Valtat.
A principios del siglo XX nace el Cubismo a partir del análisis que hicieron Pablo Picasso y Georges Braque de las obras de Paul Cézanne, cuyo trabajo era reverenciado por los pintores jóvenes de principios del siglo XX. El estilo de estos pioneros fue inicialmente ridiculizado por la crítica, al reprobar que sus pinturas estuvieran constituidas por pequeños “cubos”. Otros artistas vinculados con el Cubismo crearon composiciones fragmentadas, así como esculturas que representaban simultáneamente diferentes puntos de vista de la realidad, trastocando profundamente las reglas de la perspectiva heredadas del Renacimiento.
El cubismo es uno de los movimientos más influyentes del arte moderno. Surgido a principios del siglo XX, rompió con las reglas tradicionales de la perspectiva y la representación realista. A través de figuras geométricas, planos superpuestos y múltiples puntos de vista, el cubismo transformó la forma de representar la realidad.
Aunque el término cubismo fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles, quienes realmente dieron vida al movimiento fueron Pablo Picasso y Georges Braque. Por eso, cuando hablamos de quién creó el cubismo, la respuesta más justa es: Braque y Picasso.
Se establece como la primera obra cubista a Las señoritas de Aviñón, de Picasso, Es junto a Braque y Juan Gris cuando establecen los fundamentos de este nuevo arte de vanguardia: multiplicidad de puntos de vista, autonomía del lienzo con respecto a la realidad, monocromatismo, introducción del movimiento y eliminación de los detalles y lo superfluo de las formas.
Pablo Picasso. Las Señoritas de Aviñón, 1907.
Las Señoritas de Avignon, Pablo Picasso (1907)
Nace en Francia y, aunque la fecha de eclosión, como hemos dicho antes, es 1909, se considera como punto de partida en el cubismo el año 1907 en que Picasso (1881-1973) pinta Las señoritas de Avignon. No podemos obviar la influencia del arte africano en las obras de Picasso de esta época y la importancia de este arte ancestral en el origen del cubismo.
En ese momento, Francia estaba colonizando territorios africanos y muchos objetos de arte negro, sobre todo, mascaras llegaban a París. Estas piezas se convirtieron en objetos inspiradores para Picasso y muchos otros pintores de la época. Aunque las obras posteriores cubistas no tienen mucho que ver, por sus características cromáticas o visuales con este cuadro, Las Señoritas de Avignon supone un antes y un después en la creación de las nuevas vanguardias y lo que sería el cubismo más puro. La utilización de planos, ángulos marcados y perspectivas imposibles indican una ruptura con la representación de la realidad establecida hasta entonces.
Pero… nada hacía prever entonces la aparición, en 1907, de Las señoritas de Avinón, que causaría un impacto enorme entre todos los amigos del artista. Parece que el tema de la obra surgió como una especie de homenaje a Casagemas, que se había suicidado por amor tiempo antes: algunos bocetos preparatorios muestran a un joven, con una calavera en la mano, penetrando en una habitación donde había varias mujeres desnudas. Era un memento mori: una evocación de la muerte en el lugar del placer, pero todas las implicaciones moralizantes desaparecieron en la obra final, donde encontramos cinco mujeres en posturas insinuantes (se supone que se encontrarían en un burdel de la calle Avinyó). Todo el conjunto ha sido violentamente geometrizado, a base de triángulos, con agudos esquinamientos, y no siempre es fácil determinar los límites entre las figuras y el fondo. Una cierta diferencia de estilo entre las mujeres centrales, más clásicas, y las otras tres, más violentas, ha hecho pensar en la influencia combinada en Picasso del arte ibérico y de las máscaras africanas.
La historia del cubismo empezó en 1906, cuando las pinturas del malagueño comenzaron a hacerse más escultóricas y monumentales y la influencia de Piero della Francesca cedió ante la de otras manifestaciones ajenas a la tradición clásica y renacentista. Se aprecia ya en su Retrato de Gertrude Stein, una dura prueba para el artista: lograr el grado de abstracción que buscaba en su rostro obligó a Picasso a repintarlo varias veces.
Parece que nunca estuvo satisfecho del todo con el resultado, pero evidentemente los ojos grandes e inexpresivos, la frente amplia y despejada y el óvalo del rostro suponen una simplificación estilizada de la escultura ibérica, que causaba impacto en París por entonces: en la primavera de aquel 1906 se mostraron en el Louvre, con gran éxito de público, los relieves ibéricos de Osuna.
Retrato de Gertrude Stein, Pablo Picasso (1906)
En esta etapa, los artistas se enfocaron en descomponer los objetos en sus partes más básicas.
Fases del Cubismo
La mayoría de los historiadores del arte organizan este movimiento artístico en categorías temáticas.
| Fecha | Categoría temática |
|---|---|
| 1910-1912 | Cubismo Analítico |
| 1912-1919 | Cubismo sintético |
Otros, como el académico Douglas Cooper, dividen el Cubismo en periodos cronológicos:
| Fecha | Categoría cronológica |
|---|---|
| 1906-1908 | Cubismo temprano |
| 1909-1914 | Alto Cubismo |
| 1914-1921 | Cubismo tardío |
Cubismo Analítico (1909-1912)
Braque fue el primero en sacar sus consecuencias. Hijo de un contratista de pinturas, había recibido una sólida formación técnica antes de imitar el colorido brillante y las intenciones decorativas de los fauvistas y el verano de 1908 lo pasó en L´Estaque, donde llevó a cabo paisajes de tonos apagados: verdes, pardos, grises y marrones oscuros.
Estas obras se expusieron en el Salón de Otoño de ese año y Matisse, en el jurado, aludió ya entonces a sus “cubitos”. La evolución de Braque sería paralela a la de Picasso, que pasó, él mismo, dos años tratando de digerir las consecuencias de Las señoritas. En 1909 ambos entraron de lleno en la fase del cubismo analítico: sus cuadros de este momento son de dimensiones modestas y su gama cromática, reducida y apagada.
Una maraña de líneas geométricas y entrecruzadas suele descomponer las figuras en multitud de planos pictóricos: el fondo invade con sus curvas esquinadas partes de los objetos y la profundidad ilusoria de estas pinturas parece limitarse a la de un bajorrelieve imaginario de límites equívocos. No se persigue la unidad geométrica del punto de vista único, porque la nueva visión carece de centro.
El Cubismo Analítico fue una época en la que las obras de Braque y Picasso mostraban similitudes estilísticas. Ambos artistas investigaron la forma y optaron por utilizar líneas rectas y ángulos rectos. Los dos artistas también utilizaron combinaciones de colores sencillas, reduciendo a veces los cuadros a un aspecto monocromático. El color estaba subordinado a la forma: las formas se utilizaban para presentar objetos desde múltiples puntos de vista. Tanto Picasso como Braque también disfrutaban utilizando letras en sus cuadros, junto con motivos como instrumentos musicales, gafas y periódicos.
Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler, Georges Braque (1910)
Cubismo Sintético (1912-1914)
En esta segunda fase del cubismo, los artistas comenzaron a reconstruir las imágenes en lugar de descomponerlas.
Entre finales de 1911 y 1914, Picasso y Braque, en evolución paralela, introdujeron en sus lienzos letras de imprenta, papeles pintados, números y recortes de prensa: la pintura empezaba a parecerse a una construcción.
El primer trabajo en este sentido fue obra picassiana: Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912); aquel año fue artísticamente decisivo: Duchamp pasó por una crisis de la que surgirían sus primeros ready-mades y el español realizó este bodegón, el primer collage de la historia del arte. Se trata de un óvalo horizontal y pequeño cuya mitad superior está pintada conforme a las premisas analíticas: colores apagados, a base de grises y tonos verdosos, y líneas del dibujo encabalgadas formando geometrías intrincadas. Pero hay una relativa novedad: las letras de JOU(rnal), que no pertenecen al ámbito pictórico, sino al tipográfico. La introducción en las obras cubistas de textos más o menos misteriosos había permitido, hacía muy poco, que la pintura recobrara sus nexos con la literatura, tan frecuentes en el Renacimiento y el Barroco. Y lo más significativo: el enrejado de caña, que ocupa la mitad inferior, no está pintado; Picasso recortó un trozo de hule impreso con ese dibujo y lo pegó sobre el lienzo. También rodeó todo el perímetro con una soga de cáñamo, sustituyendo el marco ennoblecedor propio de las pinturas tradicionales.
Naturaleza muerta con silla de rejilla, Pablo Picasso (1912)
Picasso y Braque trasladaron estos elementos al Cubismo Sintético. Este tipo de Cubismo se llama sintético porque combina varios elementos de una pintura en un todo coherente. El Cubismo Sintético también subrayó la importancia del color y del contraste de texturas mediante el collage .
Un collage es una forma de crear obras de arte pegando diferentes elementos sobre una misma superficie para crear un todo unificado.
En realidad, observando detenidamente esta y otras obras advertimos que el cubismo sintético no fue una simple evolución respecto al analítico, sino algo diferente: los planos geométricos son amplios y están mejor delimitados y el contorno o dibujo y la masa de color juegan a yuxtaponerse e independizarse. El proceso artístico es, ante todo, un montaje y se vincula a las prácticas artesanales del bricolaje tanto como a las del pintor tradicional.
Artistas Clave del Cubismo
Los máximos exponentes del cubismo fueron Braque, Picasso, Juan Gris, Léger, María Blanchard o André Lothe.
El Cubismo: características, obras y autores. Historia del Arte y de la Literatura
Georges Braque (1882-1963)
En el caso de Georges Braque (1882-1963), es considerado el padre del cubismo tal y como lo conocemos y estudiamos hoy. El análisis de su biografía artística nos muestra claramente el paso por las dos vertientes cubistas: el cubismo analítico (1909-1912) y el cubismo sintético (1912-1914). En el primero, las formas se descomponen y analizan hasta tal punto que son difíciles de reconocer por la enorme fragmentación geométrica a la que se someten, y los espectadores tenemos que hacer un esfuerzo para decodificar la información que se nos ofrece ante los ojos. Un ejemplo de ello es el cuadro Botella y pescados, pintado en 1909. En el cubismo sintético, se incorporan a la obra elementos como trozos de periódicos, revistas, etiquetas, … creando collages con formas no tan geométricas como en la primera etapa. Comienzan a utilizarse con más asiduidad las curvas y se incorporan nuevos colores a la paleta. Un ejemplo de los collages cubistas de Braque es Bodegón con mesa de 1914.
Botella y pescados, Georges Braque (1909)
Georges Braque (1882-1963) fue un pintor y escultor francés. Se le conoce sobre todo por su desarrollo del Cubismo con Pablo Picasso. Maisons et arbre (Casas y árboles) de Braque, creada en 1908, es el origen del término "Cubismo". Braque estudió arte en la École supérieure d'art et design Le Havre-Rouen en Normandía y en la Académie Humbert de París.
Al principio, Braque creó pinturas impresionistas y luego se pasó al estilo fauvista. Derivado del término " fauves " ("bestias"), los artistas fauvistas utilizaban colores brillantes, que a menudo se aplicaban con crudeza. El fauvismo fue escandaloso en su época. Braque también recibió influencias de Paul Cézanne. Sin embargo, pronto Braque empezó a desarrollar el Cubismo con Picasso. Los dos artistas trabajaron estrechamente en el Cubismo Analítico. Después del Cubismo, Braque encontró un estilo artístico personal e incluso pintó figuras humanas.
Pablo Picasso (1881-1973)
Pablo Picasso se mostró desde la infancia como un gran dibujante. Sus primeros pasos en la pintura tras rodearse de los ambientes artísticos y viajar a París, los mostró en su etapa azul y su etapa rosa. La primera llena de personajes melancólicos, la segunda de ambientes del circo.
Pablo Picasso fue junto a Braque el creador del Cubismo, y así lo mostró en Las Señoritas de Avignon, la obra que abre paso a este nuevo estilo pero que aún podemos considerarla protocubismo.
Pablo Picasso (1881-1973) fue un pintor español. Es uno de los artistas más conocidos de todos los tiempos. Picasso empezó a estudiar arte en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, pero no le gustaba la instrucción formal y lo dejó poco después. Picasso publicó sus primeras ilustraciones en 1900 en un periódico español. Siguió trabajando como ilustrador para Arte Joven en Madrid. En 1904 se trasladó a París, ciudad que ya había visitado en 1901. En esta época, Picasso creó obras en un estilo que más tarde se conocería como su Periodo Azul y pintó imágenes de temática circense de el Periodo Rosa.
En 1907, Picasso empezó a crear obras de arte cubistas, comoLes Demoiselles d'Avignon (1907). Trabajó con Georges Braque para desarrollar el Cubismo Analítico, cuando las obras de ambos artistas se parecían mucho. Después, el español se dedicó al Cubismo Sintético, similar al collage .
Aparte del Cubismo, Picasso siguió mostrando diversidad artística. Por ejemplo, pintó a su primera esposa, Olga Khokhlova, de forma neoclásica realista. Al mismo tiempo, una de sus obras más conocidas, Guernica (1937), que representa la Guerra Civil española, muestra un importante grado de abstracción.
Retrato de Ambroise Vollard, Pablo Picasso (1910)
Juan Gris (1887-1927)
En España destacan los artistas Juan Gris y María Blanchard. Aquí dejamos algunas de sus obras más significativas.
Retrato de Pablo Picasso, Juan Gris (1912)
La ventana abierta, Juan Gris (1921)
María Blanchard (1881-1932)
Botella y frutero sobre una mesa, María Blanchard (1917)
El pianista, María Blanchard (1919)
El Cubismo Americano
El cubismo surgió en Estados Unidos por dos razones principales. En primer lugar, comisarios de arte estadounidenses como Alfred Stieglitz organizaron exposiciones con los principales pintores europeos. En segundo lugar, artistas estadounidenses como Max Weber y Andrew Dasburg se inspiraron en la pintura europea y crearon ellos mismos obras cubistas.
Max Weber (1881-1961)
Max Weber (1881-1961) fue un artista, escultor y poeta estadounidense de origen ruso que ayudó a popularizar el arte de vanguardia europeo, incluido el cubismo, en Estados Unidos. En 1891, Max Weber se trasladó a Nueva York con su familia. Se formó en el Instituto Pratt. Weber trabajó como maestro de escuela antes de viajar a París para estudiar pintura hasta 1909. En París, Weber conoció el cubismo y encontró inspiración en el arte tradicional de África. Posteriormente, Weber escribió ensayos teóricos sobre las vanguardias, como "La cuarta dimensión desde un punto de vista plástico". El conocido fotógrafo y comisario de arte Alfred Stieglitz publicó este ensayo en Camera Work. Weber también escribió Poemas Cubistasen 1914. Pronto, Weber organizó exposiciones de arte en la Galería 291 de Stieglitz y en el Museo de Newark, introduciendo de hecho el arte moderno en Estados Unidos. Las obras cubistas más conocidas de Weber de este periodo son Restaurante chino (1915) y La violonchelista (1917). Ambos ejemplos presentan colores y texturas punzantes y representan objetos como si el artista los hubiera vuelto a montar.
El violonchelista, Max Weber (1917)
Andrew Dasburg (1887-1979)
Andrew Dasburg (1887-1979) fue otro pintor estadounidense partidario del cubismo. Nacido en Francia, la familia de Dasburg se trasladó a Estados Unidos durante su primera infancia. Se formó en la Art Students League de Nueva York. Al igual que Weber, Dasburg también visitó París y se inspiró en diversos movimientos de vanguardia, como el Futurismo y los artistas Henri Matisse y Paul Cézanne.
Improvisación, Andrew Dasburg (1915-16)
Al igual que Weber, la galería neoyorquina 291 de Alfred Stieglitz expuso los cuadros de Dasburg. En esta época, Dasburg pintaba obras cubistas y se inspiraba en el paisaje de Nuevo México. En 1933, se trasladó definitivamente a ese estado y continuó creando arte vagamente vinculado al cubismo.